OBRAS RENACENTISTAS

ARQUITECTURA

ANALISIS SENSORIAL:

Es una construcción muy importante en aquella época ya que La Catedral de Santa María de las Flores,  su autor fue Filippo Brunelleschi, se encuentra  en Florencia, Palacio de Pit. Fue una de las primeras composiciones con estilo gótico, ya que no había penetrado totalmente ni con fuerza en esa etapa inicial. Posee una planta central, tipología extendida en el Renacimiento. Con esta obra se inicio la arquitectura renacentista, y dio pauta a las demás construcciones resaltando de una manera sobresaliente la cúpula que existe en la punta de la iglesia.  Brunelleci levanto una cúpula sobre una catedral de estilo gótico. Este acudió a un concurso con Ghiberti e hizo de la catedral una obra maestra. Solucionó el problema de la elevación con gras y montacargas de su propia invención evitándose el aparatoso complejo de rampas y empalizado que servían de soporte.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

La catedral de Santa María del Fiore fue inicialmente ejecutada en estilo tardo-románico, pero su construcción duró varias generaciones, fue iniciada en 1296 y a la muerte de Brunelleschi, en 1446, aún no se había concluido. No fue un edificio proyectado: su diseño y su construcción se armaron de forma paralela. Aunque existía un plano general para su forma y distribución interna, los detalles constructivos, según era corriente en la práctica edificativa medieval, iban siendo resueltos a medida que avanzaba la construcción, en la propia obra. Por tanto, a pesar de que la necesidad de construir una gran cúpula sobre un determinado punto de la iglesia preexistía, la forma de la misma no había sido decidida de antemano. Cuando llegó el momento de erigirla, los artesanos florentinos se encontraron con un vano de 40 metros, imposible de cubrir con las técnicas constructivas tradicionales.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

El sentido de esta construcción era 9implantar soluciones que tenía esta iglesia, muchos críticos que analizan el fenómeno desde una óptica marxista identifican aquí el momento en el que la incipiente burguesía toma de las clases populares el dominio de los medios de producción dejando éstas de poder construir y pasarán a poder diseñar, posibilitando así un proceso de explotación del proletariado por el Capital, que se recrudecerá durante la Revolución industrial.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

La Arquitectura renacentista se desarrolla a partir del siglo XV principalmente en Italia. Es común atribuir el lugar de génesis a la ciudad italiana de Florencia, ciudad donde el gótico apenas había penetrado, en el momento de la construcción de la cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore proyectada por Filippo Brunelleschi. Tal episodio no sólo es un mero cambio en el perfil estilístico que predominaba en el escenario arquitectónico florentino, sino la demostración clara de la ruptura que vendría posteriormente en la propia forma de producir la arquitectura, abriendo camino para, no sólo redescubrir el clasicismo, sino también para la promoción de la tratadística y para una teorización inédita sobre el tema. Son muchos los estudiosos que afirman que Brunelleschi construyó, de hecho, no sólo una cúpula, sino el concepto de un nuevo tipo de arquitecto: altera las reglas de la construcción civil iniciando un proceso que, gradualmente, separará al proyectista del constructor.

Un hecho a destacar en la producción de Brunelleschi es que se manifiesta más importancia en el campo de la construcción que en el del estilo. Se asimila esto cuando se observa la obra en su conjunto, percibiéndose que, a pesar de querer seguir la canonización clásica, se produce un edificio que no es completamente comprometido con dichas reglas clásicas. Esto es causado por la carencia del arquitecto de conocimiento profundo de las normas clásicas, al que accedía más por la observación de las ruinas romanas existentes que por el estudio de los tratados.

 

ANALISIS SENSORIAL:

Es una construcción muy importante ya que es una de las mejores universidades más antiguas de Europa. Además es una universidad española ubicada en la ciudad de Salamanca. Fue construida en el año 1512 por Botticelli.

La arquitectura renacentista tuvo un carácter marcadamente profano en comparación con la época anterior y, lógicamente, surgirá en una ciudad en donde el Gótico apenas había penetrado, Florencia. A pesar de ello, muchas de las obras más destacadas serán edificios.

Con el nuevo gusto, se busca ordenar y renovar los viejos burgos medievales e incluso se proyectan ciudades de nueva planta. La búsqueda de la ciudad ideal, opuesta al modelo caótico y desordenado del medievo, será una constante preocupación de artistas y mecenas. Así, el papa Pío II reordena su ciudad natal, Pienza, convirtiéndola en un auténtico muestrario del nuevo urbanismo renacentista. En sí, las ciudades se convertirán en el escenario ideal de la renovación artística, oponiéndose al concepto medieval en el que lo rural tenía un papel preferente gracias al monacato.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

La Universidad de Salamanca se encuentra emplazada en la ciudad de Salamanca, en la comunidad autónoma de Castilla y León. Es la universidad más antigua de España que existe en la actualidad y una de las cuatro más antiguas del mundo abiertas actualmente, junto con las de Bolonia, Oxford y París y hoy La Sorbona.

El arquitecto abandona el carácter gremial y anónimo que había tenido durante la Edad Media, y se convierte en un intelectual, un investigador. Muchos de ellos escribieron tratados y obras especulativas de gran trascendencia, como el caso de León Battista Alberti o Sebastiano Serlio.

El Estudio General, germen de la universidad, fundada en 1218, era en su fundación el segundo más antiguo de España, tras el estudio general de Palencia , fundado entre 1208- 1214 y además fue la primera institución educativa española y europea que obtuvo el título de Universidad, es decir, de validez universal de sus títulos, a través de la bula papal de Alejandro IV en el año 1255

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Los elementos constructivos más característicos del estilo renacentista serán:

Estructurales: Arco de medio punto, columnas, cúpula semiesférica, bóveda de cañón y cubierta plana con casetones. Todos ellos habían sido usados en la Antigüedad, especialmente por el arte romano, y se recuperan ahora, modificándolos. Decae paulatinamente el tradicional método de construcción del Gótico, abandonándose en gran medida las bóvedas de crucería, el arco apuntado, las naves escalonadas, y sobre todo la impresión de colosalismo y multiplicidad de los edificios medievales. Predominarán ahora valores como la simetría, la claridad estructural, la sencillez, y sobre todo, la adaptación del espacio a la medida del hombre.

Decorativos: Pilastras, frontones, pórticos, motivos heráldicos, almohadillados, volutas, grutescos, guirnaldas, motivos de candelieri (candelabros o pebeteros) y tondos o medallones. Algunos de éstos ya se habían utilizado en el Gótico, otros son creaciones originales y la mayoría se inspiran en modelos romanos y griegos. En cuanto a la decoración el Renacimiento preconiza el despojamiento, la austeridad, el orden. Sólo a finales del siglo XVI esta tendencia se romperá en favor de la fantasía y la riqueza decorativa con el Manierismo.

Al tomar elementos de la arquitectura clásica, los arquitectos renacentistas lo hacen de forma selectiva, así por ejemplo en lugar de utilizar la columna dórica clásica se preferirá el orden toscano. Igualmente se crean formas nuevas, como la columna abalaustrada, nuevos órdenes de capiteles o decoraciones que si bien se inspiran en la Antigüedad han de adaptarse al uso religioso de las iglesias. Así, los amorcillos clásicos que acompañaban a Venus en las representaciones griegas o romanas pasan a ser angelotes (putti). Los arquitectos emplean las proporciones modulares y la superposición de órdenes que aparecía en los edificios romanos; las cúpulas se utilizarán mucho como elemento monumental en iglesias y edificios públicos. 

PINTURA

ANALISIS SENSORIAL:

El Nacimiento de Venus, obra de Botticelli, conservada en la Galleria degli Uffizi, Florencia. El paganismo se introduce en el arte renacentista como contrapunto al mundo hermético y cerrado del medievo en el que Dios era el fin de todo. El ser humano en su individualidad y diversidad será a partir de ahora el objeto máximo del interés de los artistas. Esta pintura fue realizada con tempera sobre tabla,  y con dimensiones Longitud: 278.5 cm. Altura: 172.5 cm.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

El carácter distintivo de la pintura del renacimiento en general y en su periodo de apogeo consiste:

    * En la unidad de la composición, de la perspectiva, de la anatomía y morbidez muscular y de la belleza exterior física tendiendo a imitar la naturaleza con desenvoltura e inspirándose a la vez los artistas en las obras clásicas escultóricas.

    * Por razón de los asuntos, en la universalidad de ellos, dando mucha entrada a los mitológicos apenas tratados en la época anterior y cultivando singularmente el retrato y las historias. Y aunque no se olvidan los cuadros religiosos, carecen éstos por lo común de la idea y unión mística de la época precedente (sobre todo, en las Vírgenes o Madonnas) y hasta desvían con frecuencia el ánimo de la verdadera piedad. Aunque está plena de religiosidad, cada artista busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje tienen mucha importancia.

    * Por razón del procedimiento, se distingue en el abandono definitivo de los realces y dorados, en la predilección por los lienzos sin tabla y en la adopción casi exclusiva de la pintura al óleo, salvo las decoraciones murales al temple y al fresco.

La historia moderna de la pintura se inicia con los aportes de los maestros del Renacimiento. Florencia y Roma durante los siglos XV y XVI son la cuna de dicho movimiento que establecerá a través de la perspectiva, la proporción, la anatomía y el descubrimiento y uso del óleo, una manera de pintar realista o verista que no se había dado antes.

El Renacimiento surge en Italia y se va extendiendo progresivamente por Europa, con mayor o menor calado, según los países. Surgieron innumerables centros o escuelas de pintura, sobre todo, en Italia, influyéndose mutuamente unas en otras a pesar de sus divergencias. No existe unanimidad crítica a la hora de distinguir las aludidas agrupaciones de artistas ni es uniforme el estilo de los diferentes maestros, por lo que las escuelas se reúnen sólo geográficamente.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

La pintura renacentista abarca el período de la historia del arte europeo entre arte de la Edad Media y el arte barroco. La pintura de esta época está relacionada con el «renacimiento» de la antigüedad clásica, el impacto del humanismo sobre artistas y sus patronos, nuevas sensibilidades y técnicas artísticas y, en general, la transición entre el periodo medieval y los comienzos de la Edad Moderna. s una pintura de Sandro Botticelli (1445 - 1510). El nacimiento de Venus representa una de las obras cumbres del maestro italiano. Está ejecutada al temple sobre lienzo y mide 384,5 centímetros de alto por 585,5 cm de ancho. Se conserva en la Galería de los Uffizi, Florencia.

ESCULTURA

ANALISIS SENSORIAL: 

Piedad del Vaticano, obra del Renacimiento de Miguel Ángel Buonarroti se utilizo mármol, da a representar  la armonía que existe entre Jesus y la virgen, algo muy profundo que nos muestra  la sensibilidad del artista.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

La escultura del Renacimiento se entiende como un proceso de recuperación de la escultura de la Antigüedad clásica. Los escultores encontraron en los restos artísticos y en los descubrimientos de yacimientos de esa época pasada la inspiración perfecta para sus obras. También se inspiraron en la Naturaleza. En este contexto hay que tener en cuenta la excepción de los artistas flamencos en el norte de Europa, los cuales además de superar el estilo figurativo del gótico promovieron un Renacimiento ajeno al italiano, sobre todo en el apartado de la pintura.

El renacer a la antigüedad con el abandono de lo medieval, que para Giorgio Vasari «había sido un mundo propio de godos y el reconocimiento de los clásicos con todas sus variantes y matices fue un fenómeno casi exclusivamente desarrollado en Italia. El arte del Renacimiento logró interpretar la Naturaleza y traducirla con libertad y con conocimiento en gran multitud de obras maestras.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

    * Material: Miguel Ángel eligió él mismo el bloque de mármol que iba a usar de las canteras de los Alpes Apuanos de la Toscana. El bloque tenía que ser el correcto, ya que la escultura está realizada con uno sólo, no varios unidos.

    * Técnica: Una de las cosas más llamativas es la técnica escultórica que Miguel Ángel usaba. Según él, la propia Naturaleza de la escultura estaba en el interior del bloque de piedra. El artista unicamente la sacaba a la luz, con paciencia y detallismo.

    * Armonía: Algo que caracteriza al arte renacentista y a Miguel Ángel es la armonía. Así, por ejemplo hay un contraste armonioso entre el brazo caído de Jesús y el brazo derecho de la Virgen. Otro rasgo armonioso es la diferencia entre el tratamiento de claroscuros de pliegues del vestido con la piel de Jesús, lisa. El último contraste son los ejes vertical y horizontal de las dos figuras.

    * Virgen: El rostro de la Virgen es el de una niña, joven y pura. Miguel Ángel es consciente que la diferencia de edad entre el Cristo muerto y su madre es demasiado evidente. Lo que se pretende hacer no es un retrato realista, sino idealizar la figura de la Virgen llena de pureza y juventud.

    * Sfumatto: Una técnica escultórica muy usada en el Renacimiento fue el sfumato. En este caso lo vemos en la forma de representar los músculas, que están como difuminados en la superficie marmólea.

    * Dolor: Miguel Ángel nos presenta un cuerpo muerto sin rasgos de sangre ni dolor. Después del Calvario, nos lo muestra con la dignidad del hijo de Dios. Por eso, se retoma la idea del retrato idealizado, no se pretende un retrato realista del dolor.

    * Cinta: Miguel Ángel realizó esta escultura con 24 años. De ahí que los críticos fueran suspicaces a la hora de su autoría. Miguel Ángel, con gran carácter, discutió con ellos y grabó con el cincel su nombre en la cinta que porta la Virgen. Por ello, la Piedad es la única escultura firmada por el artista.

    * Composición: En el Renacimiento, el arte estaba supeditado en gran medida a las formas geométricas, como esenciales y puras. Aquí, la composición se engloba en un triángulo desde la cabeza de la Virgen hasta la base más ancha del conjunto. No hay que olvidar la relación entre el triángulo y la divinidad.

ANALISIS SENSORIAL:

Rapto de las Sabinas, del escultor de Flandes Giambologna, donde la composición se muestra en movimiento de espiral. 

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

"El Rapto de la Sabina", punto culminante en la carrera artística de Juan de Bolonia, nos transmite la voluntad del escultor de innovar en el ámbito del movimiento. Antes que nada, crea un grupo en bronce que representa un rapto, enviado en 1579 a Octavio Farnesio, duque de Parma. La iconografía está ausente de la obra: no hay accesorios ni símbolos convencionales. Un hombre desnudo, con las piernas flexionadas por el esfuerzo, lleva en sus brazos a una mujer también desnuda que parece tomar a los dioses por testigos de su suerte. No hay lucha ni drama; ella no se resiste: es una danza en la que se oponen dos movimientos en contraste. Inspirándose en esta composición Juan de Bolonia talla el monumental mármol que se inaugurará en la loggia de los Lanzi en 1583. Para que el grupo disponga de un fundamento más amplio, ya que está limitado por la necesidad de conservar en su integridad la solidez del bloque de mármol, el escultor coloca una tercera figura curvada en dirección al suelo. En este caso hay tres cuerpos combinados en el espacio: el vencido en el suelo con los miembros encogidos; el romano que dibuja un arco de círculo, encorvado y fogoso, y la Sabina que intenta zafarse con un gesto de su espalda. La geometría de las líneas de fuerza, el juego de las miradas, el contraste entre las expresiones, la variedad de los volúmenes que se contraen en dirección descendente y luego se expanden, todo ello convierte al Rapto no sólo en un prodigio técnico sino también en un hito de la reflexión estética acerca de la relación entre las formas en el espacio. Los barrocos no se confundirán a este respecto: Bernini apela de nuevo a este esquema añadiendo el elemento de la violencia allí donde antes sólo había un movimiento intelectual. Por su parte los clásicos de Versalles, entre los que se cuenta el Rapto de Proserpina de Girardon, se limitan a aportar ujn equilibrio más sereno.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Un bajorrelieve (análogo al que Cellini había colocado bajo el Perseo) nos brinda la clave de la iconografía: el rapto reaparece bajo una forma más pictórica, rodeado de otros raptos dentro de una arquitectura geométrica donde la forma se vuelve silueta y la línea serpenteante se inscribe en el centro de un haz."

"Los rasgos manieristas superficiales son patentes: el alargamiento de las figuras, el gesto desmedido y poco coherente, el espacio angosto... Pero lo propio de Giambologna es su capacidad para introducir estas notas -que son generales a todo el Manierismo- en un movimiento que rompe de forma definitiva con la estatua clásica. El rapto de las sabinas responde todo él a la figura serpentinata que ya había utilizado Miguel Ángel, pero Giambologna prescinde del punto de vista único y el grupo incita a multitud de perspectivas. No existe un delante y un detrás sino una multiplicidad de puntos de vista, de tal manera que el grupo gira como una espiral. Esta multiplicidad, insistimos, viene impuesta por la misma escultura: el movimiento de las figuras que se retuercen y prolongan en su contraposición no atiende ya a la perspectiva frontal típica del Renacimiento, visión estática y serena sustituida, aquí, por un enérgico dinamismo.

Giambologna introduce así una creciente intranquilidad en el espectador que, en relación con las pautas clasicistas, puede resultar -como así fue para los hombres de la época, de ahí su enorme éxito- enigmática. La imagen constituye un problema casi imposible de resolver: dónde termina una figura y empieza otra, cuál es el juego de cortes, paralelismos y contraposiciones, son cosa sobre las que el espectador nunca tomará una decisión definitiva."

ANÁLISIS PICTÓRICO

HISTORIA DEL ARTE

PALEOLÍTICO

Pintura: Bisonte de la Cueva de Altamira, (Cantabria)

ANALISIS SENSORIAL:

El animal mas importante para la subsistencia del ser humano, esta pintura fue realizada en las paredes de las cuevas que servían de vivienda por así decirlo para la especie humana hace treinta mil años, durante el periodo paleolítico. Es la representación de un bisonte que era el animal que mas cazaban en esa época, se encuentra en la Cueva de Altamira en Cantabria, es una obra que se la realizo con materiales sencillos como los sopladores o pinceles hechos de cabello de  caballo y por lo general eran pintados con sangre y grasa de otros animales, utilizaban mucho el color blanco, zinc y el amarillo.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Las personas en aquella época realizaban este tipo de dibujos por una razón de rituales, ya que consistía en que el jefe del grupo social o también conocido como el hombre alfa dibujaba en las paredes de las cuevas los animales que ellos necesitaban casar y estos animales eran dibujados lo más realista posible, y se les ponía una flecha o algo para cazar primero su alma y luego casarlo en la realidad.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

El sentido de la obra que era el dibujo en la pared expresa una sensación de poder y de dominación ya que al ellos ya dibujar su animal con la flecha ellos ya se prestaban a una victoria y aun hecho que se iba a dar de una u otra manera.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Estas pinturas debieron cumplir un papel en los rituales mágicos, aunque no se conoce con certeza su naturaleza exacta, en las obras demuestran la presencia de una conciencia espiritual y la capacidad de expresarla por medio de imágenes, signos y símbolos. No obstante, debe olvidarse la imagen trillada que se tiene del arte paleolítico, de temática monótona y casi exclusivamente anomalística. Evidentemente predominan los temas faunísticos, pero hay otras muchas escenas sorprendentemente elaboradas.

MESOLÍTICO

ANALISIS SENSORIAL:

Los grupos sociales de la época tenias como su actividad principal para su vida la caza, esta pintura se encuentra plasmada en las paredes de las donde vivían estas personas. Es la representación de un la figura humana cazando a un jabalí que era uno de los animales que era mas asechado para su alimentación, y pues en si para su vestimenta entre otras utilidades.

La técnica mas usada en este periodo es la de la tinta plana, es decir, no se matiza para dar volumen. Se trata de pinturas monocromas con una gama de colores muy reducida como en rojo y el negro, pero ya se expresa con una mayor precisión y se expresa más real., que es la diferencia con la pintura del periodo paleolítico que tenia la policromía. 

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Estos grupos sociales hacían estos dibujos como una actividad de ritual al igual que en el periodo paleolítico peor la diferencia es que en este período  la pintura rupestre tenia un carácter mas formal y ya no sólo se dibujaba al animal, sino empezó a aparecer también la figura huma ya cazando al animal, recalcando que se realizaban solo rasgos no muy perfectos pero que si bastaban para si identificación. El rito era el mismo con el mismo fines decir capturar primero el alma y luego en la realidad.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

El sentido de  esta pintura es la autoridad y la fuerza que tenían ya los humanos para la caza y su habilidad adquirida por su tiempo, ya que era la actividad que mas se realizaba en ese tiempo, además ya se ve expresado que ya no solo vivían en cuevas sino empiezan a salir al aire libre y a permanecer ahí.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Cumplieron igualmente un papel en los rituales mágicos, aunque no se conoce con certeza su naturaleza exacta, aquí se nos quiere mostrar ya los dibujos como una realidad, es decir, como la vida de ellos expresada en los dibujos en las paredes, nos tratan de expresar la habilidad que ellos tenían para realizar sus respectivas actividades. También la aparición de composiciones de figuras humanas, en escenas de guerra, caza o de carácter mágico, llenas de movimiento y las pinturas aparecen en abrigos rocosos.

PALEOLÍTICO

ANALISIS SENSORIAL:

Aquí ya se da el manejo de los animales y el cuidado a la tierra para la producción. Nos muestran que ahora sus actividades van de la mano la caza con la agricultura. Vemos una pintura neolítica con figuras de bueyes y pastores en Argelia.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Los grupos sociales realizaban estas pinturas como costumbre pero también como algo social y religioso ya que se trata de plasmar en las pinturas ya una continuación una historia de su realidad, de que actividad están haciendo, etc. Además, ahora los seres humanos aparecen claramente definidos en las representaciones, incluso es fácil identificar los dos sexos, tanto por el tipo de ropajes como por los atributos sexuales.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

El estilo naturalista del Neolítico está abierto a las sensaciones y a la experiencia, se transforma en una intención artística geométricamente estilizada. En lugar de las minuciosas representaciones fieles a la naturaleza, plenas de cariño y paciencia para los detalles del modelo correspondiente, encontramos por todas partes signos ideográficos, esquemáticos y convencionales, que indican más que reproducen el objeto. El arte neolítico tiende ahora a fijar la idea, el concepto, la sustancia de las cosas, es decir a crear símbolos en vez de imágenes.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Se observa una inversión de los términos, el protagonismo pasa del animal al hombre y sus formas de vida. Este hecho hace pensar en una sustitución del sentido mágico de aquellas por un carácter narrativo, que cuenta la vida del grupo humano que las realiza: escenas de caza y recolección de miel silvestre, de siembra, de actividades ganaderas, luchas, danzas o rituales, etc.

Además en este período se desarrolló un estilo de pintura rupestre en la zona levantina de la Península Ibérica basado en la pintura de escenas de caza en rocas al aire libre, con representaciones esquemáticas de figuras humanas.

EGIPTO

 

El juicio de Osiris pintado sobre papiro. Capítulo 125 del Libro de los Muertos

ANALISIS SENSORIAL:

En está pintura puedo observar la justicia que se ejercía en Egipto, está pintura se llama”“El Juicio de Osiris “que esta pintado sobre papiro, se encuentra en el capítulo 125 del Libro de los Muertos. Podemos observar que las pinturas que se realizan es está época son  hieratistas, se encuentran sin movimiento, hay frontalidad, una jerarquización, lo más grande es lo más importante, también podemos observar que en esta pintura no hay degrade, es decir no existe ni la luz ni la sombra, es realmente geométrico y lineal.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Está pintura se la realizó con un contexto religioso, ya que se trata de que  el espíritu del fallecido era guiado por el dios Anubis ante el tribunal de Osiris. Anubis extraía mágicamente el corazón, que representa la conciencia y moralidad y lo depositaba sobre uno de los dos platillos de una balanza. El era contrapesado con la pluma de Maat  que era símbolo de la Verdad y la Justicia Universal, situada en el otro platillo.

Mientras, un jurado compuesto por dioses le formulaba preguntas a cerca de su conducta pasada, y dependiendo de sus respuestas el corazón disminuía o aumentaba de peso. 

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

Está pintura egipcia expresa la justicia, ya que representa como los individuos eran juzgados y pues a la vez tenían que ser sinceros y decir la verdad para que así ellos puedan pasar a otra vida sin ningún obstáculo. 

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Esta obra nos muestra de una forma muy clara las consecuencias de los actos que nosotros estamos cometiendo y como son valorados al final del juicio pues si Osiris dictaba sentencia y su respuesta era afirmativa podían vivir eternamente en el paraíso peor de lo contrario eran arrojados a una devoradora que acababa con la vida de aquel egipcio y pues esto significaba el olvido es decir prácticamente era sacado de la historia de Egipto.

MESOPOTAMIA

“Ofrendas a las divinidades”, Pintura mural, Palacio de Mari

ANALISIS SENSORIAL:

En esta pintura puedo observar el agradecimiento a los dioses por brindarles todo lo que la civilización necesitaba. Es una obra llamada “Ofrendas a las Divinidades” es una pintura que se encuentra en un mural del Palacio de Mari. Podemos ver que las pinturas tienen carácter estrictamente decorativo. Se utilizó para embellecer la arquitectura. Carece de perspectiva, y es cromáticamente pobre: sólo prevalecen el blanco, el azul y el rojo. Uso de la técnica del temple. Se puede apreciar en mosaicos decorativos o azulejos. Los temas eran escenas de guerras y de sacrificios rituales con mucho realismo. No se representaban las sombras. Y todavía tienden a lo geométrico, lineal y pinturas sin movimiento.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Está pintura se la realizó con un contexto religioso, ya que se trata de las ofrendas dadas a los Dioses son en agradecimiento, es una parte de la pintura que se encuentra en el mural. Aquí podemos observar que entregan en una parte a un ganado que pues es un animal muy importante ya que significa la riqueza que ellos producen al realizar sus actividades

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

Está pintura expresa la humildad y la ratificación, ya que representa como los individuos entregan sus riquezas como hemos mencionado anteriormente y pues a la vez tenían que ser sinceros y dar lo que ellos consideraban muy importante ya que era una ofrenda a los dioses por lo que tenía que ser algo realmente importante para compensar en cierto grado lo brindados por los mismos.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Esta obra nos muestra de una forma muy clara las cosas que tiene que hacer las personas a cambio de algo que de cierta manera los dioses otorgan, nos muestran una escena de sacrificio ritual. Refleja notable naturalismo. Se distingue la separación de los asuntos divinos de los humanos. El rey es plasmado en escenas de guerra, banquetes o caza; una figura aparece siempre erguida, lo que hace destacar su poderío.

GRECIA

ANALISIS SENSORIAL:

En esta obra podemos observar una declaración o confesión. Es una pintura que se la conoce como “Edipo interrogado por la Esfinge”, para hablar de la pintura griega es necesario hacer referencia a la cerámica, ya que es precisamente en la decoración de ánforas, platos y vasijas, cuya comercialización era un negocio muy productivo en la antigua Grecia, donde pudo desarrollarse este arte. No se conservan otras muestras de arte pictórico dignas de ese nombre. Constituyen, además, una fuente de información extraordinaria para extraer conclusiones en lo que respecta a la cultura, prácticas religiosas y vida cotidiana de la antigua Grecia. Nos damos cuenta que está obra  pertenece al periodo arcaico por el color de la representación.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Es una obra de carácter religiosa ya que en Grecia la mitología era correspondiente a su religión, por ejemplo en esta obra podemos observar u mito que consistía en la sabiduría de Edipo al enfrentarse a una esfinge de manera intelectual ya que era un monstruo muy sabio que da muerte a cualquiera que no puede adivinar los acertijos.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

El sentido de  esta pintura es la  sinceridad y la honestidad, ya que podemos observar como la mitología griega era muy estricta en cuanto a sus leyes, o acciones al castigar o premiar a cualquier individuo. 

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Cumplieron igualmente un papel religioso, Al llegar a la adolescencia, Edipo, por habladurías de sus compañeros de juegos, sospechó que no era hijo de sus pretendidos padres. Para salir de dudas visitó el Oráculo de Delfos, que le auguró que mataría a su padre y luego desposaría a su madre. Edipo, creyendo que sus padres eran quienes lo habían criado, decidió no regresar nunca a Corinto para huir de su destino. Emprende un viaje y, en el camino hacia Tebas, Edipo encuentra a Layo en una encrucijada, discuten por la preferencia de paso y lo mata sin saber que era el rey de Tebas, y su propio padre. Más tarde Edipo encuentra a la esfinge, un monstruo que daba muerte a todo aquel que no pudiera adivinar sus acertijos, atormentando al reino de Tebas. A la pregunta de «¿cuál es el ser vivo que camina a cuatro patas al alba, con dos al mediodía y con tres al atardecer?», Edipo respondió correctamente que es el hombre, La explicación consiste en esto: La mañana, la tarde y la noche traducen las etapas de la vida. El día o comienzo de la vida muestra al bebe gateando en cuatro pies o patas, la tarde o mitad de la vida es la adultez del ser humano caminando en dos pies y la noche o final de la vida muestra al anciano con un bastón o sea en tres pies. Había también otro acertijo: «Son dos hermanas, una de las cuales engendra a la otra y, a su vez, es engendrada por la primera». Edipo contestó: el día y la noche. Furiosa, la Esfinge se suicida lanzándose al vacío y Edipo es nombrado el salvador de Tebas. Como premio, Edipo es nombrado rey y se casa con la viuda de Layo, Yocasta, su verdadera madre. Tendrá con ella cuatro hijos: Polinices, Eteocles, Ismena y Antígona y los dos hermanos se enfrentarían más tarde entre ellos a muerte por el trono tebano.

ROMA

ANALISIS SENSORIAL:

En esta obra podemos observar belleza. Es una pintura que se la conoce como “Las tres Gracias”. La pintura romana, descendiente y heredera de la griega, poseía una técnica depurada, Ya desde la época de César llegaron pinturas griegas que se arrancaban de las paredes y se llevaban a Roma. Ésta es una de las razones por las que apenas se conservan pinturas murales griegas. Al igual que otras artes, la pintura en Roma tenían una finalidad práctica: decorar las casas y palacios. La condición social del pintor era la de un artesano, aunque los que pintaban sobre tabla tenían mayor prestigio. Es por esto que su pintura tuvo una estrecha relación con la arquitectura.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Es una obra de carácter cultural, ya  que se expresan 3 cosas muy importantes que son belleza,  júbilo y Festividades. En está obra podemos apreciar las técnicas que se aplicaron en la pintura de Roma que tenía una finalidad  práctica: que era decorar las casas y  los palacios. La condición social del pintor era la de un artesano, aunque los que pintaban sobre tabla tenían mayor prestigio. Vale recalcar que esta pintura también se la encuentra en Grecia con el nombre de  “Las Ballestas”, que fueron robadas por los romanos e imitadas por los mismos.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

En esta obra podemos ver expresamente y directamente la belleza de la mujer, que cada una de estas mujeres expresa algo diferente, de la afabilidad, la simpatía y la delicadeza. También podemos darnos cuenta que se presenta una libertad ya que pocas son las obras que se pinta a la mujer desnuda.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Cumplieron igualmente un papel religioso, Las Gracias, descritas en la Teogonía de Hesíodo, eran tres: Aglaya, que significa resplandeciente, es la belleza, Eufrósine, que quiere decir gozosa, es la alegría, y Talía, que significa floreciente, es el ardor. Sus atributos son las rosas, el mirto y el dado del juego. Las Gracias eran compañía habitual en el Olimpo de Afrodita, la diosa del amor, y Eros y están muy relacionadas con las Musas con las que se divertían al son de la música que Apolo tocaba .Las Gracias, nacidas de uno de los amores de Zeus, presidían los banquetes, las danzas y todas las actividades y celebraciones placenteras, en definitiva, todo aquello que en el mundo pudiera haber de agradable, placentero, interesante, atractivo despertaban la alegría de vivir. Las Gracias otorgaban a dioses y mortales la alegría pero no sólo eso sino también la elocuencia, la liberalidad y la sabiduría. Se creían que tenían la capacidad de dotar a los hombres de la genialidad necesaria para ser un excepcional artista. Sus manos tejieron las ropas de Harmonía, compitieron con Afrodita por el don de la belleza, pero consolaron a la diosa cuando perdió a Adonis. Las Cárites o Gracias eran jóvenes y muy bellas pero sobre todo modestas y solían llevar el pelomal recogido a causa de los bailes. Siempre estaban danzando y precisamente es en la actitud de darse las manos y comenzar a bailar como más las ha representado el arte. Al principio de la civilización griega iban vestidas con una fina túnica después, siempre aparecieron desnudas. Se las representaba como tres jóvenes desnudas cogidas por los hombros. Dos miraban hacia un lado y la tercera hacía de espaldas. A veces han aparecido entre los sátiros más horrendos para designar que no se puede juzgar a las personas por su apariencia y que los defectos del rostro pueden ser corregidos con un buen espíritu. Rara vez se hace referencia a estas diosas de manera individual. Por el contrario, son la representación griega de la triple diosa, presente en muchas otras mitologías del mundo.

PALEOCRISTIANISMO

ANALISIS SENSORIAL:

En esta obra podemos observar una representación de la ideología cristiana. Se desarrolla durante los primeros siglos de nuestra era, teniendo como punto de inicio el nacimiento del cristianismo en la época Romana, finalizando con las invasiones bárbaras.
Roma se convierte en el centro de actividades. Siendo la capital de paganismo será el símbolo de la Cristiandad.  

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Es una obra de carácter  religioso ya que se desarrolla un arte conográfico que está constituido de iconos que simbolizan la idea cristiana. Entre estas representaciones simbólicas para representar a la ideología cristiana tenemos a la paloma que significa paz, el pavo real que corresponde a la estructura del alma, alfa y omega que representa al principio y fin de todas las cosas, el pastor, la cruz que significa la muerte de Jesucristo, el pez que corresponde a la palabra del señor entre otras.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

Esta pintura nos expresa una época de mucha transición y también de una entrega a lo religioso lleno de   iconos que nos representan a Jesucristo y todo lo relacionado con el, ya que observamos en la pintura a los corderos con el pastor que vendría a  ser como nos cuida y nos lleva a todos por el camino correcto. Y más tarde se convierte en la religión oficial del imperio.

BIZANTINO

ANALISIS SENSORIAL:

En esta obra podemos observar general todas estás representaciones se las conocía como pantócratos, que no es más que la imagen de Jesús dando la bienvenida a la iglesia.  Esta pintura se llama “El Pantócrato de Jesucristo”. Se distingue la pintura bizantina al mosaico por la riqueza de materiales, con abundancia de oro y fastuosa ornamentación y la pobreza en el movimiento artístico. Las figuras de los personajes se presentan ordinariamente alargadas, en pie y con los brazos en actitud algo movida o llevando algún objeto. La túnica o vestimenta con que aparecen cubiertas suele ofrecer pliegues rectos y paralelos, casi verticales. Los elementos decorativos de los cuadros o composiciones consisten de ordinario en perlas, cintas, series de joyas, guirnaldas y grecas sin excluir algunas plantas sueltas como la palmera ni los motivos arquitectónicos.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Es una obra de carácter religioso, ya que nos muestra de forma directa al Todo Poderoso, es de carácter religioso ya que podemos observar que Jesucristo nos da la bienvenida a la iglesia, siendo esta la representación más común de la religión.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

Nos muestra una sensación de paz y de bienvenida a la iglesia. El amaneramiento y el convencionalismo de la pintura bizantina que ya desde el principio más o menos la acompañan se hicieron más sensibles en el siglo VIII y llegaron a su apogeo en el XIII por la falta de expresión y el exceso de rigidez y angulosidad que se manifiesta en las figuras.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

En concreto, en el arte bizantino y románico, con el término pantocrátor se designa la imagen con que se representa al Todopoderoso, Padre e Hijo, es decir, Creador y Redentor. La figura, siempre mayestática, muestra a una u otra persona divina en similar actitud: con la mano diestra levantada para impartir la bendición y teniendo en la izquierda los Evangelios o las Sagradas Escrituras. En ocasiones, se representa sólo el busto; otras veces, la figura completa entronizada que, cuando se trata del Padre, sostiene en sus rodillas a Cristo hijo. Se suele enmarcar en un cerco oval conocido como mandorla.

CAROLINGIO

ANALISIS SENSORIAL:

En esta obra podemos observar la letra capital, que se encuentra en  el Libro “Libro de Lindisfarne”, no hubo mucha pintura desarrollada en  el periodo Carolingio, pero se destaca las miniaturas, que eran letras capitales pintadas con muchos detalles en los libros. En donde más miniaturas podemos encontrar es en el libro  de Kells.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Es una obra de carácter cultural a mi criterio, ya que en los detalles que se pintaban en las letras utilizaban elementos referentes o relacionados con su imperio Roma.

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

Con ocasión de una boda real, la del rey Edelberto de Kent y la hija cristiana de uno de los reyes merovingios franceses, el papa Gregorio Magno aprovechó pare enviar a Inglaterra un grupo de monjes irlandeses con la misión de extender la religión a nuevos territorios; la elección de monjes irlandeses para tal cometido parece ser que estuvo condicionada por el conocimiento que éstos tenían en la realización de todo tipo de códices, sobre todo evangeliarios, considerados básicos para la propagación de la fe.

El Libro de Lindisfarne es la materialización de dicha empresa, tiene como copista e iluminador al que era Obispo de la isla del Mar del Norte: Eadfrith, fallecido en el año 721; el libro contiene los cuatro Evangelios, y se halla iluminado con las imágenes de los cuatro evangelistas, dieciséis tablas de concordancias, cinco páginas tapiz, y numerosas iniciales de pagina.  Al igual que el caso anterior el libro se guardaba en una caja relicario, hoy perdida realizada por Ethewald, sucesor de copista, con maderas traídas por Bilfrid, un ermitaño, que trabajó el metal que adornaba su exterior cubriéndolo de oro y piedras preciosas y, al parecer fue Alfred, un indigno y miserable presbítero quien glosó el texto a la lengua vulgar.

GÓTICO

ANALISIS SENSORIAL:

En está pintura puedo observar la guerra y una gran cantidad de perdidas de vidas. Esta pintura es una parte del cuadro completo “El triunfo de la Muerte“que tiene una dimensión muy grande. Es una de las obras más conocidas del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo. Un óleo sobre tabla de 117 cm de alto x 162 cm de ancho, pintado hacia el año 1562. Escuela flamenca del siglo XVI, hoy en el Museo del Prado de Madrid. La pintura es el arte que más radicalmente cambia en el gótico. Pierde su lugar natural, el muro. Por eso, debido al escaso desarrollo de éste, la pintura gótica tiene su primera ubicación en las vidrieras y en las miniaturas de los códices.

La técnica más utilizada es la del temple y el óleo, que da un mayor colorido y permite un acabado más minucioso.

La primera etapa, hacia el 1200, corresponde a la pintura conocida como Periodo de Formación, ya que manifiesta una especial atracción hacia las líneas que definen los contornos. Este tipo de pintura gótica abarca todo el siglo XIII y los comienzos del XIV momento en el que se desarrolla un nuevo estilo.

El nuevo estilo que sucede al lineal es el conocido como Periodo Maduro donde las escuelas de Siena y Florencia alcanzan cotas muy altas. En esta época, los diferentes gremios compiten en la decoración de sus capillas, lo que junto al desarrollo económico hacen que se desarrolle y aumente la pintura gótica.

En este estilo desaparece la línea negra. Quieren conquistar de la técnica, el estudio del espacio, la perspectiva lineal, la coloración objetiva, la luz y la degradación de los colores.

La última etapa corresponde al Periodo Flamígero, a finales del siglo XI. En este periodo las influencias italianas se funden con las francesas y flamencas, obteniendo muy buenos resultados.

CONTEXTO SOCIAL Y ANÁLISIS SIMBÓLICO:

Está pintura se la realizó con un contexto religioso, Es una panorámica de la muerte: vemos el cielo oscurecido por el humo de las ciudades ardiendo, al fondo un mar plagado de naufragios; a la orilla hay una casa, alrededor de la cual se agrupa un ejército de muertos. El paisaje, anodino y arrasado, nos habla de la pequeñez, crueldad y falta de sentido común del hombre, que pretende cambiar un destino impuesto. Se alzan mástiles coronados por ruedas, picotas en las que se ajustician a criminales; sus cadáveres se balancean. Hay una cruz, solitaria e impotente en el centro de la pintura, y la Muerte avanza con batallones de esqueletos; sus escudos son tapas de ataúdes y conducen a la gente a un ataúd que es un túnel decorado con cruces; un esqueleto a caballo destruye personas con su guadaña. Por todas partes son atacados los desamparados hombres; aterrorizados huyen o intentan en vano luchar. No hay defensa posible, los esqueletos matan de muy variadas maneras: cortando gargantas, colgándolos, ahogándolos, e incluso cazándolos con perros esqueléticos.

A la izquierda se conduce una tétrica carreta con calaveras, que sin duda formarán después el ejército de los muertos. Detrás un tribunal de la muerte presidido por el símbolo de la cruz contempla impasible la hecatombe. Sobre ellos, unos esqueletos tocan una campana avisando del fin del mundo. Al frente, en el extremo inferior izquierdo, yace el rey, vestido de su capa con vueltas de armiño y con el cetro en la mano. Campesinos, soldados y hasta nobles e incluso reyes, todos atrapados por la muerte.

Un poco más hacia el centro del primer plano, un perro olisquea la cara de un niño, muerto en brazos de su madre, también caída. Algunos cadáveres han sido ya amortajados y uno de ellos yace en un ataúd con ruedas.

La visión de Brueghel no carece de humor sardónico, como puede verse en la parte inferior derecha del cuadro. Una pareja de enamorados permanecen absortos ignorando lo que les rodea. Detrás de la mujer un esqueleto imita al tocador de laúd. A su lado una mesa puesta con manjares, y un juglar con jubón ajedrezado, se intenta esconder debajo. Un caballero hace ademán de desenvainar la espada, intentando defenderse de lo irremediable.

Se observan aspectos de la vida cotidiana a mediados del siglo XVI, se dibujan con detalle las ropas, y pasatiempos como juegos de cartas. De manera única, un método usual de ejecución para los criminales del siglo XVI: La rueda. Objetos como instrumentos musicales y los primeros relojes mecánicos, y escenas como una misa de difuntos ayudan a entender mejor el estilo de vida de los años 1560.

Se ha sugerido que el cuadro, como una premonición, fue inspirado por el empeoramiento del clima político antes de la Guerra de los ochenta años. Inspirada o no por el ambiente la obra es una clara alegoría de los horrores de la guerra, como su Dulle Griet, también premonitoria. Es inevitable también pensar en la peste negra que azotó a Europa en el siglo XIV. Algunos ven la crisis de los feudos, ya que en el cuadro se observa a la muerte que amenaza a un hombre con corona, que podría ser un rey o representante del poder. Cercano a dicho hombre de corona la muerte merodea un barril lleno de algo de color dorado u oro.

La tabla recuerda al Bosco, por lo satírico y moralizante y la amplitud del cuadro; múltiples escenas, pintadas con mucho detalle. Recuerda el tema medieval de las danzas de la muerte. Las hordas de Brueghel son esqueletos no demonios como en El Jardín de las Delicias de cien años antes. Esto puede sugerir en algunos un pesimismo ateo no suavizado por una creencia en un Cielo.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO:

Está pintura egipcia expresa una destrucción total,  un panorama de la muerte acogiendo todos los pecados y desastres que se pueden dar, realmente este cuadro es considerado como una pre munición para algunas personas. 

ANÁLISIS IDEOLÓGICO:

En el cuadro completo podemos observar detalladamente elementos muy importantes que nos describen esta pintura. “El triunfo sobre la muerte. Brueghel el Viejo. 1562”

• Bosco: Brueghel era un humanista que se había dejado influenciar por las obras de El Bosco, siguiendo la tradición flamenca. Grandes formatos, minuciosos detalles,..
• Destrucción: Al fondo se puede ver las ciudades arrasadas por el fuego y el mar lleno de barcos naufragados.
• Esqueletos: La visión de la muerte es mucho más tétrica que el Bosco, ya que Brueghel no utiliza el cielo y el infierno cristianos. Es una imagen de la muerte más real, menos idealizada por la religión. Hay ejércitos de esqueletos que aniquilan al hombre, que no tiene ningún fin.
• Sarcasmo: El fino humor negro se puede ver en situaciones como los dos enamorados absortos o un esqueleto tocando el laud imitándolos. Además, estos enamorados, junto con los jugadores de cartas a su lado, representan la lujuria, la gula y la pereza, pecados por los que la horda de esqueletos vienen a por ellos.
• Teorías: Hay muchas teorías acerca de su simbología, aunque la más aplaudida es aquella que dice que representa la peste negra del siglo XIV
• Muerte: La Muerte galopa sobre un caballo famélico y lanza sus tropas de no muertos para llevarse a los pecadores al infierno.
• Pecados: Un barril lleno de oro junto a un emperador representa la Avaricia y la Codicia, dos de los pecados representados en la pintura.
• Colores: Los colores tostados y apagados siguen a la perfección toda la simbología del cuadro, siguiendo la idea de penumbra, de muerte.
• Sin distinción: La idea de la muerte en la Edad Media era algo tan habitual como la vida. En diversos tratados, se explica como una danza, donde todas las clases sociales bailan por igual con la Muerte. Aquí representa eso, ni los reyes, ni los monjes, ni los valientes soldados van a ser salvados.